Le titre de la première exposition de Marine Joatton chez Berthet-Aittouarès, « La vie est un gala », pourrait être trompeur… Car la cérémonie ne s’ouvrira pas sous le signe de l’élégance obséquieuse, mais dans l’exubérance de toiles construites par touches colorées (de 5000 € à 10000 €). L’artiste dit d’ailleurs qu’elle « part en peinture », après avoir beaucoup travaillé la sculpture, puis le dessin. Odile Aittouarès a été séduite « par son besoin vital, presque maladif de s’exprimer, à l’exemple des artistes d’antan », et la rapproche de l’automatisme et de la quête de l’in conscient d’un Henri Michaux, pour tisser un lien avec l’historique de la galerie. Marine Joatton combine vitalité d’expression et sobriété des sentiments, nous invitant dans un monde féerique et fictionnel, sans se dévoiler…
Catégorie : Critiques
La vie est un gala. galerie Berthet-Aittouarès
Beaux-Arts magazine, Octobre 2019. Stéphanie Pioda
On s’abandonne face aux toiles de Marine Joatton pour une plongée dans une peinture sans complexe ni préjugé. On se délecte en toute confiance, porté par le plaisir du rapport immédiat à l’oeuvre, pour laquelle tout discours semble superflu. Il s’agit d’une expérience où le ressenti et l’émotion dominent. Première exposition personnelle de l’artiste à la galerie Berthet-Aittouarès, «La vie est un gala» réunira 20 peintures où l’on croisera notamment un Prince et une Infante au chocolat. Un régal !
Parution d’un portrait dans l’Œil par Colin Cyvoct
Face aux dessins, peintures et sculptures de Marine Joatton, il est bien difficile de savoir sur quel pied danser. Que sont, ou qui sont, ces silhouettes, présences aussi affirmées qu’improbables, jaillissements de vie animale et humaine singulièrement entre mêlée ? Antoine de Galbert, fondateur et président de La Maison Rouge, découvrant son travail dans son atelier parisien, lui disait en 2005 : « Vous avez le choix, vous pouvez poursuivre vos recherches soit du côté de l’Art brut soit du côté de l’art contemporain ». « Je n’ai rien répondu à l’époque, j’étais un peu perdu », se souvient Marine Joatton, qui poursuit : « Je ne fais pas de l’Art brut, que j’aime beaucoup. J’espère qu’il y a des qualités de mon travail qui peuvent se retrouver dans l’Art brut.» Clairement, elle débusque, combat et brise avec bonheur les opacités et les chaînes des conventions du regard. Diplômée de Science Po Paris à 20 ans, elle s’envole pour l’Ecosse, y enseigne le Français à l’Université de Saint-Andrews, et dessine, dessine beaucoup, dessine tant qu’elle décide de suivre un cursus de sculpture à l’université de Dundee. Puis elle revient en France pour intégrer les Beaux- Arts de Paris. Depuis, toutes ses journées sont consacrées à ses recherches terriblement libres, radicalement éloignées de toute censure de la raison raisonnante. Ces derniers mois, Marine Joatton peint des grands portraits à l’acrylique sur papier. « J’aime peindre les têtes, les têtes qui ne se regardent pas. Je travaille beaucoup la présence de la peau, du pelage. J’aime qu’il y ait de la chair, une vraie présence de la matière picturale.»
Colin Cyvoct
1972 Naissance à Paris
1995 Entre au Duncan of Jordanstone College of Art de Dundee, Ecosse
2001 Diplômée de l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Paris
2013 Résidence en Corée du sud, exposition personnelle Galerie 604, Busan, Corée du sud.
2014 Résidence au Domaine de Kerguéhennec, Bignan (56)
2016-2017 Exposition personnelle au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Saint Etienne(42)
2017
Expose à Drawing Now, galerie Réjane Louin, Carreau du Temple, Paris 3ème
Du 21 mars au 1er avril : expose au Petit cabinet de dessins contemporains, Bernard Vidal-Nathalie Bertoux Art contemporain, 65 rue de Turenne, Paris 3ème
Parution d’un article dans Art Absolument, par Sophie Fardella
MARINE JOATTON
MIGRATION DE LA PEINTURE DANS LE DESSIN
Découverte en 2006 grâce à ses dessins lors de l’exposition collective À fleur de peau. Le dessin à l’épreuve à la galerie Éric Dupont à Paris, Marine Joatton développe un imaginaire fantastique dessiné sur des bouts de papier et s’étalant de manière frénétique sur ses carnets de dessin. Ses oeuvres récentes montrent un réel besoin de faire évoluer son geste vers des dimensions plus picturales où la couleur se révèle être le nouveau réservoir d’énergie. Au sein de son atelier parisien envahi de ses dessins, Marine Joatton revient sur sa réunion des territoires de la peinture et du dessin.
ENTRETIEN AVEC SOPHIE FARDELLA
Sophie Fardella :
Marine Joatton, le dessin possède une place centrale dans votre création. Comment cet intérêt particulier pour ce médium est-il né ?
Marine Joatton :
J’ai toujours dessiné. C’est une pratique que j’ai développée de façon continue et sans interruption depuis l’enfance, sans doute parce que mon père était professeur de dessin. J’ai compris grâce à lui que le dessin était quelque chose d’important, qu’il fallait faire avec sérieux et passion. Enfant, il y avait toujours des crayons, des feutres et du papier à portée de mains : un enfant peut beaucoup s’investir dans les jeux avec le dessin. Il y a toujours eu des dessins sur mes classeurs. C’est comme ça que, petit à petit, je me suis investie dans ce médium sans jamais l’abandonner.
Comment avez-vous décidé de déplacer votre pratique du dessin à celle de la peinture ?
C’est après l’exposition À fleur de peau et une exposition personnelle à la galerie Éric Dupont où je n’ai montré que des dessins que j’ai commencé à vouloir déplacer ma pratique sur des formats plus grands. Ce déplacement du dessin à la peinture ne s’est pas fait sans difficulté, car je n’avais pas du tout de connaissances sur ce médium. Les Beaux-Arts ne m’avaient pas formée à cette technique puisque j’y étais dans l’atelier de photographie. La technique de la peinture, je l’ai apprise en autodidacte, contrairement au dessin qui a toujours été le coeur de ma pratique, dans lequel j’avançais en terrain balisé. Avec la peinture, j’avais cette impression de recommencer à zéro, sans connaissance et sans rien maîtriser. De plus, la difficulté que j’ai tout de suite rencontrée a été de vouloir commencer avec l’huile. Au début, le résultat était peu satisfaisant et, petit à petit, j’ai pris de l’assurance, surtout après deux résidences en Corée dans un atelier de peinture en 2012 et 2013 ayant donné lieu à une exposition à la Galerie 604 de Pusan, qui soutient toujours mon travail. Je peignais sur de très grands châssis de 2 m sur 2,50 m où j’ai commencé à me sentir plus confiante. Depuis, la peinture et le dessin rythment ma production. Dans ma peinture, il y a toujours des éléments de dessins. Au départ, c’était le dessin, maintenant c’est la peinture qui commence à englober le dessin. Je pense que ce sont deux pratiques qui se complètent et je les considère comme deux outils qui me permettent d’avoir un espace de création hybride.
Avez-vous une règle de travail qui rythme ce processus de création ?
Celle-ci est en constante évolution. J’élabore toujours un protocole qui va être à l’origine d’une série ; lorsque je commence à m’ennuyer et que la série n’évolue plus et devient trop répétitive, j’arrête et j’en commence une autre. Ce qui détermine la série, c’est le format, la technique. En ce moment, j’utilise beaucoup de format raisin sur papier avec de la gouache. Lorsqu’une série sur petit format arrive à la fin d’un questionnement, je repars sur de plus grands formats en gardant les mêmes thèmes. Toutes mes oeuvres sont illustrées d’animaux, de masques, de portraits et d’êtres hybrides, qui me sont dictés par une écriture automatique. C’est un procédé qui m’aide à percevoir des choses et me guide lorsque je ne sais pas au départ ce que je veux faire : je pars de taches qui me révèlent peu à peu des formes que je viens préciser. Dans ma série en cours – les Merdons –, cette hybridation prend la forme de petits enfants, nounours, poupées, chiots, chatons, tout à la fois. Désormais, j’ai une vingtaine de grands formats très « peints ». Toujours associée à l’enfance, sa force et sa vulnérabilité, cette série des Merdons est un vaste champ d’expérimentations picturales.
Depuis cette migration de votre imaginaire fantastique dans le pictural, le dessin précède-t-il systématiquement l’acte de peindre ?
Le dessin ne vient jamais avant la peinture : il se construit avec… J’ai essayé dans La Contemplation de la flaque de commencer une toile par le dessin, puis de terminer par la peinture. Après cet essai, j’ai laissé tomber ce procédé qui essayait de différencier l’acte de dessiner de l’acte de peindre. En comparant cette oeuvre et Venir à bout des taupes, on remarque bien le passage entre deux procédés : celui qui différencie le dessin et la peinture dans le processus de réalisation, et, à l’inverse, celui qui lie à parts égales les deux médiums.
Dans votre série des Merdons, beaucoup plus picturale, il semble que la couleur vient petit à petit saturer l’espace de la toile et que les traits propres au dessin s’estompent. Le dessin face à la peinture ne disparaît-il pas finalement ?
Le dessin ne peut pas disparaître de mon travail, tout est question de dosage. Le dessin est dilué, amalgamé et fusionne avec la peinture. On ne peut plus dire qu’à un moment, je dessine et à un moment, je peins : ce sont des activités qui sont complètement imbriquées. Tout comme chez Emil Nolde ou Edvard Munch, qui m’ont beaucoup inspirée, on ne peut percevoir de différence entre leur dessin et leur peinture : ces deux médiums ont collaboré.
MARINE JOATTON EN QUELQUES DATES
Née en 1972. Vit et travaille à Paris. Représentée par les galeries Réjane Louin, Locquirec et Françoise Besson, Lyon.
Dernières expositions
2017 Le Vent souffle où il veut (jusqu’au 8 octobre), galerie Françoise Besson hors les murs, Thônes
2016 Un air de famille, Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole
Jean-Luc Chalumeau signe un portrait dans le n° 103 de Verseau, le magazine en ligne de l’art en train de se faire
Marine Joatton, à la fois diplômée de Sciences Po Paris et des Beaux-Arts, est née en 1972. Son exposition intitulée Un air de famille au Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Etienne en 2016 a permis de donner la mesure d’une artiste puissamment originale, totalement peintre, qui reconnaît, parmi ses grands prédécesseurs, l’importance de Picasso. En témoigne son huile sur papier « Picasso » (2015) dans laquelle l’artiste fait allusion au terrible regard vide de l’Autoportrait du 30 juin 1972 dans lequel Picasso se voyait déjà mort. Mais là s’arrête l’emprunt : ce Picasso-là sourit avec férocité, un petit bonhomme s’intègre à la composition. La même année, Marine Joatton a peint d’autres huiles sur papier (Patriarche, Cubiste…) qui attestent d’une conception de la peinture proche de celle du vieux maître de Mougins qui lui permet de rester elle-même. Il semble que, comme ce dernier, elle a réussi à se débarrasser de « l’art » pour rejoindre la seule peinture. « Moins il y a d’art et plus il y a de peinture » disait Picasso à son amie Hélène Parmelin. Il avait écrit sur un carnet de croquis, le 27 mars 1963, des lignes que Marine Joatton a dû méditer : « La peinture est plus forte que moi, elle me fait faire ce qu’elle veut ». Oui, mais Marine ajoute que pour elle la peinture est comme un cheval qu’elle aurait enfourché : il est plus fort qu’elle, certes, mais elle le guide. Dans ses Bouquets de têtes comme tout récemment dans ses Merdons, on voit bien que l’artiste a gardé le contrôle de sa démarche. Il n’empêche : elle appartient au petit nombre des peintres qui, à la suite de Picasso, ont renversé les rapports entre l’artiste et son œuvre. A propos de Picasso, Marie-Laure Bernadac a noté qu’il était parvenu « au point que l’homme est tout entier dans la peinture et que celle-ci semble vivre de sa propre substance, s’autogénérer… » On pourrait en dire autant de la façon dont Marine Joatton, comme malgré elle, aborde sous nos yeux la question de la peinture qui décidément est très loin d’être morte.
La fantaisie libre par Charlotte Waligora in Arts Hebdo Médias
Dans l’espace de son atelier parisien et celui qu’elle occupe actuellement au domaine de Kerguéhennec, pour une résidence de trois mois, se déploie un univers où la malice et la fantaisie s’associent à un sens de la couleur qui renforce la vague idée d’une joie de vivre entendue dans l’acte de peindre. Née en 1972, Marine Joatton a longtemps développé une démarche sculpturale avant d’aborder la peinture, en 2007. Depuis, elle campe à l’huile sur papier des associations de personnages qui fonctionnent comme de joyeuses et bavardes apparitions. Plusieurs séries sont en cours, dont celles des Têtes de lard et Fiesta banana qui se « concentrent » sur l’assise même de son travail : le tracé initial orange et jaune à partir duquel elle compose chacune de ses peintures. Rencontre.
Démiurge d’un règne singulier, de singes-enfants, d’ânes à deux jambes, de cochons-grenouilles, de princesses-truies, d’animaux vêtus de barboteuses, de chats aux oreilles en forme de branchies, de figures masculines et féminines totalement intégrées à ce carrefour d’espèces, Marine Joatton invente des créatures, des histoires qui n’en sont pas, des scénettes comme autant de séquences qui, en marge de toute dimension narrative, précisent une temporalité à la manière de la capture photographique destinée à saisir l’instant. Son travail récent fait aussi la part belle à une série de gestes et de mouvements au libre cours, témoignant encore et toujours d’un imaginaire sans fin ; culbutes et ruades, fesses à l’air exhibées innocemment, coups de pied à tout va, membres envoyés valdinguer, bouches ouvertes sur d’immenses rangées de dents, sourires aux quatre vents ou encore bras grands ouverts : prêts à nous accueillir, dans un élan infini de tendresse.
L’artiste a presque toujours travaillé en série, explorant totalement un champ de création avant de glisser vers une nouvelle pratique dont le liant, le fil conducteur sont simultanément, le dessin et le règne animal. Marine Joatton dessine dès l’enfance, en autodidacte. Cette activité aboutie à la création d’une bande dessinée durant l’adolescence. A l’heure des études supérieures, elle intègre Science Po et obtient, en 1993, un poste d’assistante de français à l’université de Saint Andrews en Ecosse – l’une des plus prestigieuses du Royaume-Uni. Deux ans plus tard, elle entre aux Beaux-Arts de Dundee, au nord d’Edimbourg, où elle pratique la sculpture ; puis, en 1997, elle rejoint les Beaux-Arts de Paris qui seront, pour elle, source d’ouverture sur tout ce que l’art contemporain offre de plus novateur et d’expérimental. Elle passe son diplôme en 2001 en présentant un ensemble de dessins au crayon et au feutre intituléGénération spontanée, combinant des taches et des gribouillis d’où émergent, déjà, des figures et des bêtes qui forment un corpus d’environ 200 bestioles de petites tailles, déglinguées et revisitées, appréhendées comme des curiosités, pleines de ces anomalies visibles dans les vitrines des musées d’histoire naturelle et des galeries de paléontologie.
A cette même époque, ses sculptures sont composées, pêle-mêle, de terre, de poils, de têtes d’oiseaux ramassées dans la nature, de bourgeons, de mousse qu’elle lie avec du fil et de la terre. Ce travail lui permet de renouer avec une activité qu’elle menait enfant, à Belle-Ile, dans la nature, lorsqu’elle fabriquait des cabanes et des poupées avec du foin. Quand, des années plus tard, elle donne corps à son bestiaire, elle crée les éléments d’« une petite vie bizarre, avec laquelle j’aurais pu jouer si j’avais été enfant à ce moment-là. » Marine Joatton est restée sculpteur. Les Têtes de lard sont des volumes, parfois boursouflés, flottant dans l’espace de la feuille. Chaque figure peinte est amenée par un travail de modelage unissant les moyens de la peinture et de la sculpture. D’une base de travail dessinée, aux couleurs chaudes, elle modèle en amenant les couleurs froides, les noirs et les gris. Et en conservant presque systématiquement les repentirs, elle sédimente et préserve le fil de sa pensée, la manière dont est picturalement amené ce qui vient. Le fond reste « vierge ». Ce fond uniforme cultive autant le principe d’apparition que la frontalité des figures et des regards. Du vide de la feuille blanche émerge l’écho de l’inconscient en vision directe. L’artiste pose ainsi la problématique de la forme dans l’espace.
L’entrée en peinture
Le rapport au rêve, en tant que procédé de construction mentale, est par ailleurs essentiel chez Marine Joatton. Le sujet n’est pas nouveau, mais la peintre en fait une utilisation totalement personnelle. D’une main baladeuse à la surface du papier, elle parvient à activer ces « automatismes de l’inconscient », dont parlait Jean Rustin ; lesquels, selon lui, permet au peintre d’extraire la forme, apparence du motif, de l’inconscient, alors que l’esprit s’éloigne des gestes s’effectuant d’eux-mêmes. C’est à ce moment-là que la notion d’entrée en peinture prend tout son sens.
L’artiste a commencé à peindre en 2007. Elle apprend seule, en pratiquant et en cherchant pas à pas. Les premières peintures, dans la veine de Génération spontanée, font émerger les figures de magmas picturaux non figuratifs qui couvrent initialement intégralement le support et qui se préciseront jusqu’à associer, aujourd’hui, sur un même champ, plusieurs partis-pris en termes de représentation : naturaliste, figuratif, dessiné, esquissé. Ces figures naissent à l’époque suivant le principe de l’écriture automatique, qui définit autrement le travail d’aujourd’hui, plus ambitieux, où il se passe une infinité de petites choses que chacun d’entre nous peut décrypter où interpréter à sa guise.
Parfois, Marine Joatton intègre du texte dans ses scènes – Turtle soup ou Mein Gott, par exemple. Elle cultive délibérément l’absence de sens pour la description d’un univers empli d’évocations sans queue ni tête, qui délivre par son caractère dément toute sa fantaisie. Et emprunte à Romain Gary son premier texte, écrit à 19 ans où l’absurde comme valeur triomphe déjà. Un chapitre de ce récit théâtral,Le vin des morts, s’ouvre ainsi :
« Mein Gott !
– Je vous salue cher Kamerad !
Tulipe poussa un hurlement, tourna comme une toupie sur lui-même et se trouva nez à nez avec un gentil petit macchabée qui venait de surgir d’un cercueil et se tenait immobile sur une jambe, levant l’autre en l’air comme une cigogne. Il portait un uniforme chamarré et tout criblé de décorations, avait un visage rondelet, poupon, pas plus grand qu’un poing, son crâne était entièrement rasé, un monocle était coincé dans son œil droit, et son œil gauche était mi-clos, comme chez une poule.
– Mein Gott ! Un homme vivant, quel plaisir ! Je suis absolument ravi, absolument… Ach ! mein Gott !
– A bas les boches ! Vociféra grossièrement Tulipe en se retournant et en lui montrant son cul. »
Jubilation et liberté
Les personnages souvent drôles et fantastiques de Romain Gary sème autant la zizanie sur la page blanche que ceux, aux membres parfois délibérément exagérés, de Marine Joatton sur la feuille de papier. La citation a ainsi le mérite de résoudre le problème de la narration, la question du sens et du récit, qui ne se posera pas. Et pour savoir ce que nous dit l’artiste, il suffit peut-être juste de décrire ce que l’on voit : ce sont des caractères qui apparaissent, espiègles, rieurs, grimaçants et bruyants, et la dimension sexuée d’une faune humano-animale tapageuse. Fesses, sexes allongés, mains qui flirtent discrètement avec les entrecuisses insufflent une dynamique et une tension décalée de l’apparence a priori édulcorée d’un strict univers animalier. De tels groupes de personnages, liés dans une action commune indéfinissable ou délirante, ont formé la figuration vers laquelle était allé Dado (1933-2010), à partir des années 1980. Ces conglomérats d’êtres et de personnages, qui n’ont peut-être pas grand-chose à dire, qui s’affairent en marge de toutes les convenances, agissent comme ces figures illustrant les marges de certains manuscrits du haut Moyen Age, qualifiées de « drôleries » ou de « grotesques ». Mais ce que Marine Joatton a développé, presque spontanément, et qui la distingue de ceux dont on pourrait la rapprocher est cette maîtrise de la spontanéité infantile dans le tracé, de celle qui a longtemps préoccupé quelques modernes et qui renforce l’idée que ce qui caractérise l’œuvre de Marine Joatton, au-delà de l’aisance et de la jubilation, c’est la liberté.